亞洲大學現代美術館（Asia University Museum of Modern Art）將於11月2日至2020年3月29日舉辦展覽《劇‧場人生─從寫實主義到新寫實主義》（Theatre in Life: Réalisme to Nouveau Réalisme），並邀請翁淑英女士擔任策展人。展覽將帶領觀眾漫遊於十九世紀的寫實主義與二十世紀的新寫實主義世界中，體驗「寫實」在不同時代裡，形式與精神上之不同。

 
展覽以愛德加‧竇加（Edgar Degas，1834-1917）的作品〈十四歲的小舞者〉（Little Dancer, Aged Fourteen）為引子，逐步揭開十九世紀寫實主義的劇幕。輔以展覽館二樓長廊的互動影像裝置，從現場氛圍感受生命、自然、音樂與影像的律動，邀請觀眾置身於劇場中。十九世紀新興的表演藝術為藝術家常見的創作主題，但竇加的芭蕾舞系列作品卻不以舞台上的表演者為描繪對象，反而以舞者在舞台下的舉手投足作為關注的焦點。從著裝、熱身、預演、演出，舞者在其中的肌肉與骨骼之變化、韻律與速度之動靜，都一一透過竇加的雙手被記錄下來。竇加透過他的作品發問，在如社會縮影中的劇場裡，誰才是真正的「主角」？場景轉至私密的空間裡，展出一個一個完全赤裸、在其中沐浴洗澡的女性。它們不同於學院美術的唯美傳統，以貼近生活、自然的面相呈現。
 
奧古斯特‧羅丹（Auguste Rodin，1840-1917）與卡蜜兒‧克勞岱爾（Camille Claudel，1864-1943) 同為寫實主義重要的雕塑家。二人關係從師徒到靈魂相依的愛侶，亦是彼此創作的靈感來源。他們在真實人生中演譯癡愛情狂、聚合離散；當中的喜怒哀樂、五味雜陳，很多不能三言兩語陳明的感受，都透過作品一一呈現於觀眾眼前。
 
二十世紀中葉的新寫實主義運動嘗試從主觀出發，以表現人們生活環境及行為模式為主，提倡藝術必須回到真實世界。法裔雕塑藝術家阿曼（Armand Pierre Fernandez，1928-2005）擅長以堆積、切割、增生與重組的方式創作。他的創作題材廣泛，從希臘神話中的人物到汽車等工製品；藉由他的創作，生活中常見的消費品得以被賦予新的符號意義。八十年代，阿曼以青銅及樂器作為主要的創作媒材及主題。在被切割的樂器與其他物件的接合與重組的過程中，質地堅固的物料在感官中被轉化，一首一首的旋律與曲調亦油然而生，以特殊的方式進入觀眾的視覺體制。
 
凱薩‧巴爾達其尼（César Baldaccini，1921-1998）因受到立體主義的影響，而在1949年開始使用焊接技術創作，並以各種動物與人體的形象為主題。他認為作品一旦完成，其生命會被保存於所使用的媒材與其被放置的空間中。凱薩在一生的創作過程中，運用和開發出多種不同的技術，如：壓縮、人體翻印、發泡技術等來探討物體的真實性。
 
以「射擊藝術」而備受關注的妮基‧桑法勒（Niki de Saint Phalle，1930-2002），藉由這種以破壞、催毀為創作手法的行為藝術控訴父權社會對女性的不公。她於1965年因受到一位懷孕朋友的圓潤體態啓發，而創作出在這次展覽中展出的「娜娜」系列作品。「娜娜」為法語女孩的意思，它身上的每一種顏色代表著不同的人種；充滿力量的體態則有大地之母、生命力的意涵。桑法勒透過此系列作品來歌頌女性力量，並挑戰父權社會對女性的性別定型。三位藝術家均透過不同新媒材的嘗試及從前衛觀念汲取古典元素的轉換，發展出一系列在此展覽中呈現具有時代性與哲學詩意的作品。
 
本次展覽的展品除了選自於本館的典藏品外，在三樓的長廊上亦另設《彩色劇場》（LE COLOUR THEATRE），展出借鑑新寫實主義推動者伊夫‧克萊因（Yves Klein，1928-1962）的「單色」概念的當代作品。克萊因於1955年創作了首幅單色畫作品〈橙色〉(Monochrome Orange)後，即開始以單色作為其創作語彙。展場亦集結了當代藝術家周春芽、王建揚與黃沛瀅的純色作品來回應克萊因的創作，並以藝術開啓兩者的對談。在主展中，觀眾仿如走進了人生的劇場裡，感受在其中交織的百態與情感；《彩色劇場》則帶領觀眾回到最原始的感官世界，以視覺直觀來意識藝術家的世界中，每一種顏色在其中的意義。